⽶萊娜·桑歇，1997年出生於法國蒙貝利亞爾，她畢業於卡爾斯魯厄國立造型藝術學院（師從弗朗茨·阿克曼）和聖艾蒂安高等藝術與設計學院。現工作生活於比利時布魯塞爾。
價值體現⽆需仰仗歲⽉累積，⽶萊娜·桑歇的⼈⽣歷程即爲明證。在法國東部⼀座遠離都會的⼩鎮上， 她借凝視花朵構建⾃⼰最初的⽬光。⼩鎮有些晦暗，卻因祖⺟的愛⽽被點亮。祖⺟是動盪童年的⽀柱，祖⺟花園中的花給予童年以光。祖孫⼆⼈每⽇都會⼀起觀察花的⻓勢。在成⻓過程中，博物館離 ⽶萊娜很遠，⽽這座花園成了她⽣命中的⾸座博物館。與⾊彩的⽆限可能、⽣命演進、綻放與凋零、 顯現與消失的早期驚喜相遇，構成畫家志趣的源泉。
她以她花卉作品中濃郁鮮豔的色彩，以及在若隱若現的背景襯托下朦朧的花束，吸引了人們的目光。桑歇對主題的選擇以及她對光的描繪繼承了弗雷德裏克·巴齊耶、格哈德·裏希特和卡洛爾·本扎肯等其他畫家的傳統，癡迷於短暫性。桑歇從電影和照片中收集圖像，無論是花卉還是肖像，她都會在靜謐的工作室中與它們建立對話。“我努力捕捉能量的顫動，”她寫道，並強調在她的藝術中，震動比輪廓更重要，氛圍比敘事更重要。與她同代的許多其他畫家一樣，20世紀傳承下來的區分對她來說已經過時，因此，用抽象和具象來思考幾乎毫無意義。米萊娜·桑切斯選擇的表達方式是印象的轉瞬即逝。
⽶萊娜·桑歇自2021年聖艾蒂安高等藝術與設計學院畢業後，翌年便在克萊爾·加斯多（Claire Gastaud）畫廊舉辦⾸場個展。其後於2023 年又在同⼀家畫廊舉辦第⼆場個展。2024 年，她擔任布魯塞爾藝博會“ 發現 ”單元個展嘉賓。三年來，她參與法國多家博物館重要羣展，作品也在比利時、上海等地相繼展出。
Milène 藝術家訪談
1. 首先，能否請您簡要介紹一下本次在上海獅語畫廊駐留計劃的創作主題，以及這段時間的主要創作靈感和思路？
Milène：
爲了讓創作像在自家工作室一樣自然，我延續了一貫的工作方式。我帶來了約200張私人照片和電影截圖，每天從中尋找靈感，構思新畫。主題仍是我鍾愛的花卉、輪廓與面孔，但我不打草稿，讓畫面在當下心緒中自然浮現。這種“意外感”對我至關重要——每幅畫都是一次實驗，記錄着畫室裏那段懸停的時光。
2. 您的藝術風格極具辨識度，畫面常帶有一種朦朧、轉瞬即逝的詩意。您會如何向不熟悉您作品的觀衆描述您的藝術風格和核心創作方法？
Milène：
我用松節油稀釋顏料，通過疊加薄層來營造氛圍，並利用透明感讓畫布隱約可見。我沒正式學過繪畫，是在博物館觀察畫作側面時，領悟到繪畫是關乎層次的藝術。我在“輕掠而過”與“精雕細琢”之間尋找平衡，在“迷失”與“控制”之間舞蹈——這是畫布與我之間的對話。
3. 您將靜坐作爲每日進入工作室的第一個儀式。這個習慣是如何在您創作生活中形成的，它能爲您一天的創作帶來什麼？
Milène：
我總在思考，日常中常感與現實疏離。但繪畫時，我能重掌思緒，深深紮根於現實。繪畫不是逃避，而是讓我進入清醒、專注的狀態。它磨礪我的目光與思想，或許像一種冥想，卻讓我比任何時候都更貼近真實。
4. “轉瞬即逝”是您創作的核心。對您而言，繪畫是在試圖“留住”那些無法捕捉的瞬間，還是相反，是爲了與這種“不可留住”的本質達成某種和解，並予以讚頌？
Milène：
是試圖留住難以捉摸的瞬間。我看重創作過程本身，畫作是那段“懸停時間”的抽象見證。我想捕捉無法言說或看不見的東西——即便藉助圖像，目的也不是再現所見，而是揭示那最初未見之物。靈光閃現的時刻，最爲珍貴。
5. 在您的肖像作品中，會刻意模糊面部，以消解敘事。您是如何決定一幅肖像需要多大程度的模糊性？
Milène：
圖像只是起點。花卉讓我更易滑向抽象，而面孔更難處理。模糊不一定是虛化，我更愛“暗示”而非“說明”。我不願敘事壓倒繪畫，我想讓畫自己說話。因此我遠離具象，減少敘述，只爲喚起觀者的好奇與追問。
6. 您提到“一旦作品完成，我就停筆，不會再修改，因爲再次調整會破壞創作當下的瞬間”。那麼，您是依據什麼來判斷一幅作品已經完成？
Milène：
繪畫過程中，作品常會演變、轉向，甚至脫離掌控。我與之對話，時失控，時掌控。我並非知道何時完成，而是知道何時“過火”。持續繪畫訓練了我的目光，讓我感知一幅畫是否具備完成的和諧——能否看透所有層次，瞥見骨架，感受到一種“奇特性”。畫常需在畫室“熟成”幾日，被我遺忘再用新眼光發現。但我無法回頭修改，那會歪曲創作瞬間的情感。
7. 您的成長環境遠離都市，在童年時期更多地是浸潤在自然花草的世界裏，而非接受系統的藝術訓練。您認爲這樣的早期經歷，是如何從根本上滋養了您對藝術最初的理解與興趣，並最終塑造了您獨特的個人風格？
Milène：
人總從所處的環境中汲取養分。我慶幸在綠意中長大。若缺乏相應的文化與社會背景，想在這領域成功，的確需要更多毅力。
8. 您曾說祖母的花園幾乎是您生命中的第一個“博物館”。能否分享這一童年記憶如何持續影響您今日的創作？花卉似乎貫穿了您的作品，是這段童年記憶讓你一直保持着天然的對花卉創作的關注和興趣嗎？
Milène：
我由祖父母帶大，每天清晨與祖母一同巡視花園是持續至今的儀式。她將愛花之情傳給了我，我愛聽她講花，也愛看花隨日月變遷。她畫小花束、做乾花明信片，我也一起參與。後來我上了晚間繪畫課。祖母的花園是我的第一座博物館，它教我磨礪思想，以更哲學的方式看待花卉：反覆畫花，近乎一種抵抗。花是短暫的，唯有意識到生命短暫，才能真正愛花。這像在博物館賞畫。花與畫都趨向光，會消失、重來、從種子新生——那正是我想捕捉的震顫。這令花與繪畫媒介一樣充滿生命。我對繪畫的抽象觀，使花成了我的主要主題。
9. 在中國繪畫傳統中，花卉的畫法常常通過留白來營造“空”的氣息，使畫面在“空”與“滿”之間保持張力。您提到對中國哲學中“空與滿”的概念感興趣，在作品中的朦朧空間也呈現出類似的呼吸感。對您而言，作品中的“空”是爲了讓花朵更具流動性和光感，還是它本身也是一個帶有能量與意義的存在？
Milène：
對我而言，繪畫與主題是分開的，花只是藉口，畫本身才重要。中國畫裏的“空”吸引我，因它讓畫趨向精神性。我也這樣看自己的畫。“空”是開放的空間，讓真實生命得以可能。其中蘊含的“呼吸”與“生命氣息”的概念，讓我着迷——我練太極和氣功多年。於我，萬物需和諧。中國畫的核心是筆觸，它與畫布的“空”內在相連。無“空”，便無筆觸。繪畫如太極，關鍵在於找到恰好的動勢。
10. 寫作是您藝術實踐的重要組成部分。您能否談談文字通常是如何爲您的視覺創作鋪平道路的？當文字被轉化爲色彩和形狀時，必然會“失去”一些東西。在這個過程中，繪畫又能“得到”哪些文字所無法給予的東西？
Milène：
我愛繪畫語言能言說那不可見之物。它比文字更有力，賦予更多自由與想象。繪畫幫我更好地觀看，我想分享我的視角，也分享創作時的情感——讓自己被不可名狀之物浸潤。
11. 從法國鄉村花園到布魯塞爾工作室，再到此刻的上海，不同環境的光線與氛圍在您作品中留下了獨特的印記。請談談上海這座城市的光影與節奏，正在如何影響您與畫布之間的對話？
Milène：
我很受工作室環境的影響，同時也能輕鬆適應任何地方。換工作室，畫總會不同。在上海，我的日子由繪畫和長距離夜步主宰——有時一晚走20多公里，這幫助我思考。
12. 您提到在本次獅語畫廊的駐留中，很想嘗試同時創作幾幅大幅畫布。這種工作規模的改變，除了帶來物理空間的自由，可以談談這種工作方式爲您帶來了哪些新的創作體驗嗎？
Milène：
我習慣根據空間同時畫多種尺寸。這很重要，因爲大小畫處理方式不同，我需要它們相互滋養、取得平衡。大畫其實比小畫簡單——錯誤更容易藏匿，有更多回旋餘地。
13. 您曾在歐洲與亞洲都舉辦過展覽，請問是否觀察到不同地區的觀衆對您的作品有不同的反應？有什麼令您意外或受到啓發的反饋？
Milène：
我沒看到重大差異。在亞洲，人們看到我畫中亞洲的一面；在比利時，則看到更多弗拉芒的參照。而在上海創作的畫，我感到強烈的中國影響。
14. 回顧您的所有創作，從最初的花園記憶到上海駐留期間的新作，您希望觀衆能從您的畫裏感受到一種什麼樣的情緒或狀態？當人們離開您的展覽時，您最希望他們帶走的是什麼？
Milène：
繪畫於我如呼吸，是生命之物。我首先爲自己而畫，如一種宣泄。當然，我也需要他人的目光。能喚起一種情感——無論何種——已很有意義。我首要的，是讓人看見我的視角，我的真實。