⽶莱娜·桑歇，1997年出生于法国蒙贝利亚尔，她毕业于卡尔斯鲁厄国立造型艺术学院（师从弗朗茨·阿克曼）和圣艾蒂安高等艺术与设计学院。现工作生活于比利时布鲁塞尔。
价值体现⽆需仰仗岁⽉累积，⽶莱娜·桑歇的⼈⽣历程即为明证。在法国东部⼀座远离都会的⼩镇上， 她借凝视花朵构建⾃⼰最初的⽬光。⼩镇有些晦暗，却因祖⺟的爱⽽被点亮。祖⺟是动荡童年的⽀柱，祖⺟花园中的花给予童年以光。祖孙⼆⼈每⽇都会⼀起观察花的⻓势。在成⻓过程中，博物馆离 ⽶莱娜很远，⽽这座花园成了她⽣命中的⾸座博物馆。与⾊彩的⽆限可能、⽣命演进、绽放与凋零、 显现与消失的早期惊喜相遇，构成画家志趣的源泉。
她以她花卉作品中浓郁鲜艳的色彩，以及在若隐若现的背景衬托下朦胧的花束，吸引了人们的目光。桑歇对主题的选择以及她对光的描绘继承了弗雷德里克·巴齐耶、格哈德·里希特和卡洛尔·本扎肯等其他画家的传统，痴迷于短暂性。桑歇从电影和照片中收集图像，无论是花卉还是肖像，她都会在静谧的工作室中与它们建立对话。“我努力捕捉能量的颤动，”她写道，并强调在她的艺术中，震动比轮廓更重要，氛围比叙事更重要。与她同代的许多其他画家一样，20世纪传承下来的区分对她来说已经过时，因此，用抽象和具象来思考几乎毫无意义。米莱娜·桑切斯选择的表达方式是印象的转瞬即逝。
⽶莱娜·桑歇自2021年圣艾蒂安高等艺术与设计学院毕业后，翌年便在克莱尔·加斯多（Claire Gastaud）画廊举办⾸场个展。其后于2023 年又在同⼀家画廊举办第⼆场个展。2024 年，她担任布鲁塞尔艺博会“ 发现 ”单元个展嘉宾。三年来，她参与法国多家博物馆重要群展，作品也在比利时、上海等地相继展出。
Milène 艺术家访谈
1. 首先，能否请您简要介绍一下本次在上海狮語画廊驻留计划的创作主题，以及这段时间的主要创作灵感和思路？
Milène：
为了让创作像在自家工作室一样自然，我延续了一贯的工作方式。我带来了约200张私人照片和电影截图，每天从中寻找灵感，构思新画。主题仍是我钟爱的花卉、轮廓与面孔，但我不打草稿，让画面在当下心绪中自然浮现。这种“意外感”对我至关重要——每幅画都是一次实验，记录着画室里那段悬停的时光。
2. 您的艺术风格极具辨识度，画面常带有一种朦胧、转瞬即逝的诗意。您会如何向不熟悉您作品的观众描述您的艺术风格和核心创作方法？
Milène：
我用松节油稀释颜料，通过叠加薄层来营造氛围，并利用透明感让画布隐约可见。我没正式学过绘画，是在博物馆观察画作侧面时，领悟到绘画是关乎层次的艺术。我在“轻掠而过”与“精雕细琢”之间寻找平衡，在“迷失”与“控制”之间舞蹈——这是画布与我之间的对话。
3. 您将静坐作为每日进入工作室的第一个仪式。这个习惯是如何在您创作生活中形成的，它能为您一天的创作带来什么？
Milène：
我总在思考，日常中常感与现实疏离。但绘画时，我能重掌思绪，深深扎根于现实。绘画不是逃避，而是让我进入清醒、专注的状态。它磨砺我的目光与思想，或许像一种冥想，却让我比任何时候都更贴近真实。
4. “转瞬即逝”是您创作的核心。对您而言，绘画是在试图“留住”那些无法捕捉的瞬间，还是相反，是为了与这种“不可留住”的本质达成某种和解，并予以赞颂？
Milène：
是试图留住难以捉摸的瞬间。我看重创作过程本身，画作是那段“悬停时间”的抽象见证。我想捕捉无法言说或看不见的东西——即便借助图像，目的也不是再现所见，而是揭示那最初未见之物。灵光闪现的时刻，最为珍贵。
5. 在您的肖像作品中，会刻意模糊面部，以消解叙事。您是如何决定一幅肖像需要多大程度的模糊性？
Milène：
图像只是起点。花卉让我更易滑向抽象，而面孔更难处理。模糊不一定是虚化，我更爱“暗示”而非“说明”。我不愿叙事压倒绘画，我想让画自己说话。因此我远离具象，减少叙述，只为唤起观者的好奇与追问。
6. 您提到“一旦作品完成，我就停笔，不会再修改，因为再次调整会破坏创作当下的瞬间”。那么，您是依据什么来判断一幅作品已经完成？
Milène：
绘画过程中，作品常会演变、转向，甚至脱离掌控。我与之对话，时失控，时掌控。我并非知道何时完成，而是知道何时“过火”。持续绘画训练了我的目光，让我感知一幅画是否具备完成的和谐——能否看透所有层次，瞥见骨架，感受到一种“奇特性”。画常需在画室“熟成”几日，被我遗忘再用新眼光发现。但我无法回头修改，那会歪曲创作瞬间的情感。
7. 您的成长环境远离都市，在童年时期更多地是浸润在自然花草的世界里，而非接受系统的艺术训练。您认为这样的早期经历，是如何从根本上滋养了您对艺术最初的理解与兴趣，并最终塑造了您独特的个人风格？
Milène：
人总从所处的环境中汲取养分。我庆幸在绿意中长大。若缺乏相应的文化与社会背景，想在这领域成功，的确需要更多毅力。
8. 您曾说祖母的花园几乎是您生命中的第一个“博物馆”。能否分享这一童年记忆如何持续影响您今日的创作？花卉似乎贯穿了您的作品，是这段童年记忆让你一直保持着天然的对花卉创作的关注和兴趣吗？
Milène：
我由祖父母带大，每天清晨与祖母一同巡视花园是持续至今的仪式。她将爱花之情传给了我，我爱听她讲花，也爱看花随日月变迁。她画小花束、做干花明信片，我也一起参与。后来我上了晚间绘画课。祖母的花园是我的第一座博物馆，它教我磨砺思想，以更哲学的方式看待花卉：反复画花，近乎一种抵抗。花是短暂的，唯有意识到生命短暂，才能真正爱花。这像在博物馆赏画。花与画都趋向光，会消失、重来、从种子新生——那正是我想捕捉的震颤。这令花与绘画媒介一样充满生命。我对绘画的抽象观，使花成了我的主要主题。
9. 在中国绘画传统中，花卉的画法常常通过留白来营造“空”的气息，使画面在“空”与“满”之间保持张力。您提到对中国哲学中“空与满”的概念感兴趣，在作品中的朦胧空间也呈现出类似的呼吸感。对您而言，作品中的“空”是为了让花朵更具流动性和光感，还是它本身也是一个带有能量与意义的存在？
Milène：
对我而言，绘画与主题是分开的，花只是借口，画本身才重要。中国画里的“空”吸引我，因它让画趋向精神性。我也这样看自己的画。“空”是开放的空间，让真实生命得以可能。其中蕴含的“呼吸”与“生命气息”的概念，让我着迷——我练太极和气功多年。于我，万物需和谐。中国画的核心是笔触，它与画布的“空”内在相连。无“空”，便无笔触。绘画如太极，关键在于找到恰好的动势。
10. 写作是您艺术实践的重要组成部分。您能否谈谈文字通常是如何为您的视觉创作铺平道路的？当文字被转化为色彩和形状时，必然会“失去”一些东西。在这个过程中，绘画又能“得到”哪些文字所无法给予的东西？
Milène：
我爱绘画语言能言说那不可见之物。它比文字更有力，赋予更多自由与想象。绘画帮我更好地观看，我想分享我的视角，也分享创作时的情感——让自己被不可名状之物浸润。
11. 从法国乡村花园到布鲁塞尔工作室，再到此刻的上海，不同环境的光线与氛围在您作品中留下了独特的印记。请谈谈上海这座城市的光影与节奏，正在如何影响您与画布之间的对话？
Milène：
我很受工作室环境的影响，同时也能轻松适应任何地方。换工作室，画总会不同。在上海，我的日子由绘画和长距离夜步主宰——有时一晚走20多公里，这帮助我思考。
12. 您提到在本次狮語画廊的驻留中，很想尝试同时创作几幅大幅画布。这种工作规模的改变，除了带来物理空间的自由，可以谈谈这种工作方式为您带来了哪些新的创作体验吗？
Milène：
我习惯根据空间同时画多种尺寸。这很重要，因为大小画处理方式不同，我需要它们相互滋养、取得平衡。大画其实比小画简单——错误更容易藏匿，有更多回旋余地。
13. 您曾在欧洲与亚洲都举办过展览，请问是否观察到不同地区的观众对您的作品有不同的反应？有什么令您意外或受到启发的反馈？
Milène：
我没看到重大差异。在亚洲，人们看到我画中亚洲的一面；在比利时，则看到更多弗拉芒的参照。而在上海创作的画，我感到强烈的中国影响。
14. 回顾您的所有创作，从最初的花园记忆到上海驻留期间的新作，您希望观众能从您的画里感受到一种什么样的情绪或状态？当人们离开您的展览时，您最希望他们带走的是什么？
Milène：
绘画于我如呼吸，是生命之物。我首先为自己而画，如一种宣泄。当然，我也需要他人的目光。能唤起一种情感——无论何种——已很有意义。我首要的，是让人看见我的视角，我的真实。